Sus increíbles obras basadas en un conocimiento que involucra las comunidades indígenas de Colombia y el valor espiritual, son plasmadas mediante pepitas de colores dibujando grandes figuras con una variación de colores.

El colombiano Daniel Molina atraído por el arte desde pequeño, empezó a explorar la diversidad cultural en su país. El acercamiento en aquellas comunidades establecidas en las zonas selváticas, a sus costumbres y rituales, dieron pie para que este artista empezara a experimentar con una técnica que involucra las chaquiras o mostacillas, objetos diminutos de variedad de colores para crear cuadros de gran tamaño, haciéndole homenaje a una serie de imágenes que establecen una protección en estas comunidades que como dice el artista: es una especie de mundo invisible que vive dentro del mundo visible que es como otra dimensión del mismo mundo de la naturaleza”.

Este tipo de trabajo artístico se ha visto antes en pulseras y collares siendo las comunidades indígenas de México y Colombia sus principales realizadores, pero hace ocho años, debido al acercamiento que Daniel Molina tuvo con la comunidad de los Cofanes, lo empezó a realizar en mayor formato exponiéndolo en Colombia, México, Cuba y Finlandia.

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Aquí la entrevista con el artista:

¿Cómo descubrió esta técnica con la que realiza sus obras que se vale de pepitas de colores?

El trabajo con esta técnica nació del acercamiento al mundo indígena y a su cosmología, me volví amigo de los  indígenas del Putumayo, en particular la comunidad Cofán, quienes viven en la frontera de Colombia y Ecuador. Ellos manejan artesanías con una técnica similar y las utilizan como protección o contras que tienen un significado en el entorno de la selva y así empecé a entender más del contexto de este tipo de trabajos  en la cultura  Embera y Huichol. Digamos que mi técnica proviene del legado de estas tres culturas.

Me pareció que era un mundo para explorar, un mundo que va desde el color en sí mismo, lo pictórico puro y la forma de trabajarlo, la meditación o trabajo espiritual para poder hacerlo.  Todo empezó a integrarse  al ser un material muy exigente que requiere un gran rigor al trabajar. Empecé a notar que había algo más  profundo que se me estaba revelando con esta técnica y por eso la continúo trabajando.

¿Cómo es el proceso de realización de su trabajo? ¿Cuánto tiempo?

Se pone  pegante y encima las mostacillas, con dos agujas se van acomodando. Es exigente  a nivel visual porque cada mostacilla es muy pequeña, hay que tener constancia y templanza al trabajar. Tardo varios meses en los cuadros de gran formato.

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¿Cuáles son los personajes que frecuentemente retrata?

Realicé una serie de líderes espirituales, políticos y de la resistencia indígena. Por ejemplo hice un retrato al  líder Embera Kimy Pernía que hacía parte de la resistencia en las represas de Antioquía, en ese tiempo fue el auge paramilitar en el que desafortunadamente lo mataron, entonces hice un retrato de él como un homenaje.

Hice otra a la curandera Mazateca María Sabina que murió en los ochentas, también a algunos taitas de la comunidad Cofán y otros personajes que manejen temas pacifistas como el Dalai Lama, Tupac Amaru, etc.

Después realicé una serie de paisajes internos. En seguida inicié una serie de plantas y animales del altiplano andino, esta serie nace de la contemplación detallada de algunas especies, ahora estoy empezando con  vegetación, he hecho tres que son retratos de esas plantas que tienen usos medicinales y rituales. Ahora me encuentro iniciando una nueva serie que profundiza en el color.

Además de estos retratos ¿qué otras cosas hace con esta técnica?

Estoy haciendo una serie que tiene que ver con la vegetación y animales de Colombia pero específicamente de Bogotá y  realizando observaciones minúsculas de algunas especies, ahora estoy empezando con la parte de vegetación, he hecho tres que son como una especie de retratos de esas plantas que tienen usos medicinales y tienen que se relacionan con las creencias indígenas.

¿Cuáles han sido los trabajos artísticos más representativos?

El retrato de la planta abre caminos que empieza con esa serie me gustó mucho, porque lo hice en el mismo lugar en donde crece y se depuró la contemplación, creo que el resultado logró el equilibrio en documentar esa simple hoja, potencializar una vibración del color y generar algo con la gente que ha visto esa obra.

Otra que me gustó fue un mandala que hice después de compartir con la comunidad Wuayuu en el desierto. Esta obra se gestó en un cambio de era en mi vida que coincidía con cambios cósmicos de gran escala y siento que logré una profundidad que no había logrado antes.

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¿Qué papel juegan los colores en sus obras?

El color es el protagonista número uno, yo trabajo directamente con el color. Lo demás son vehículos para poder llegar allá, las figuras y los temas son un contexto simbólico para tener una experiencia de vibración sensorial, pues es eso y los efectos sicológicos son quienes producen lo que en verdad busco.

Eso se puede ver en la serie que estoy iniciando ahora, son cuadros a pliego, que es un tamaño grande para esa técnica y serán cinco obras mono cromáticas. Comencé con el azul que se relaciona con el  espacio, luego voy a seguir con el blanco en relación al agua, después viene  el rojo  con el fuego, el verde que  va con  el aire  y el último va a ser amarillo en relación a la tierra.

Cada trabajo trae un pensamiento concentrado. Ese pensamiento lo voy traduciendo al color. Para lograr la luz y sombra mezclo mucho, es una  forma de pintar muy parecida a pintar con el acrílico sino que en seco y como si fuera  pintando con microscopio. Cada pigmento es  una chaquira, cuando se mezclan producen toda la variedad de colores que forman las obras y que son el alma de mi exploración.

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¿Cómo definiría el trabajo artístico que realiza?

Como una terquedad multi cromática; es una obra que requiere demasiadas obstinaciones. Es un arte para sanar.

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Texto por Sandra Fernández

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